第18届威尼斯建筑双年展关注非洲，挑战西方建筑传统

第18届威尼斯建筑双年展关注非洲，挑战西方建筑传统

获悉，第18届威尼斯建筑双年展近日向公众开放。围绕“未来实验室（The Laboratory of the Future）”的主题，本届双年展策展人加纳-苏格兰、学者与小说家莱斯利·洛科（Lesley Lokko）带来广泛的话题和讨论。主展馆展览共有89个来自全球各地的参与者，其中一半以上来自非洲或非洲侨民，作品共同指向可持续和更环保的未来。

中国国家馆以“更新·共生”为主题，通过近四十年来变化中的人居环境映射，讲述一个生活、建筑、城市与自然更新共生的中国故事。

2023年第18届威尼斯建筑双年展主馆展览现场。

策展人之一的莱斯利·洛科将非洲置于聚光灯下，把第18届威尼斯建筑双年展视为“变革的推动者”。“尤其是在建筑领域，历史上占主导地位的一直是一种独特的、排他性的声音。这一种声音忽视了人类在经济、创意、概念上的巨大差异，就好像我们一直在用一种语言倾听和讲述。”“因此，建筑的‘故事’是不完整的。在这种背景下，此次展览尤为重要。”

主展馆的展览被分为六个部分，参与者既有如大卫·阿贾耶(David Adjaye)、弗朗西斯·卡萨伊(Francis Kéré)等知名工作室，也有Dream the Combine（2013年创立于明尼阿波利斯）、Cave_bureau等新兴工作室。

第18届威尼斯建筑双年展，澳大利亚馆展览现场。

与此同时，分布在“绿园”城堡(Giardini)、军械库主题馆区(Arsenale)和威尼斯城市多处的63个国家馆以及城市附属活动，将为更多、更深入的建筑对话提供丰富的背景。此外，尼日利亚艺术家、设计师和建筑师德马斯·诺科（Demas Nwoko）被授予第18届威尼斯双年展国际建筑展终身成就奖金狮奖。

“非洲是未来的实验室。”2022年5月，洛科在威尼斯建筑双年展新闻发布会上说，“非洲是世界上人口最年轻、城市化最快的大陆。每年4%的速度增长，却以牺牲当地生态系统为代价，所以非洲也处于气候变化的最前沿。”主题展关注非洲，但不仅仅是在谈论非洲——它作为一个地方，以便尝试理解世界各地。毕竟，双年展本身就是一个面向未来的工作室。

2023年5月17日，第18届威尼斯建筑双年展策展人莱斯利·洛科(左)和双年展主席罗伯托·西库托（Roberto Cicutto）在中央广场的合影。

作为建筑师兼学者的洛科正在加纳阿克拉建立非洲未来研究所，这是一所新的建筑研究机构，她利用自己广泛的研究讨论建筑多样性和包容性、以及非洲文化和权力在建筑方面和其他方面的作用。

在“去碳化”和“去殖民化”的总体目标下，洛科将建筑的定义扩展到包括艺术、表演、游戏等层面，这是那些被剥夺了建造大型永久性建筑的权力和资源的人可以得到物理空间的可行方式。

因此，在进入威尼斯双年展主展馆后不久，迎接观众的大屏幕上是诗人雷埃尔·凯普（Rhael Cape）的讲述，他宣称“如果建筑不服务于感知，它就服务于精神病”。再往下，是总部位于伦敦的Gbolade设计工作室拍摄了一部关于多米诺骨牌在伦敦南部“疾风一代”（1948年至1971年之间来到英国的加勒比海地区移民群体）中流行的影片——“玩多米诺骨牌的人都很快乐。”一位年长的骨牌爱好者说，关键在于，这是只要有个地方就可以玩的游戏。

2023年第18届威尼斯建筑双年展主馆展览现场。

在多元表达之下，主馆除了大卫·阿贾耶设计的众多建筑模型（包括未来的加纳国家大教堂，以及拟建中的贝宁铜像在尼日利亚的家）外，传统的建筑项目并不多。展览侧重不依赖重型建筑的避难所的建造，例如以编织、泥土，或者充分利用现有结构建造的住所。在一个丰富而有趣的展厅陈列有加泰罗尼亚建筑师Flores & Prats对巴塞罗那一栋老建筑变身贝克特实验剧场的精湛改造。《孟加拉之歌》(Bengali Song)也是一件引人入胜的作品，这是一幅做工精美、错综复杂的三联画，描绘了一座防洪房屋。这件作品由孟加拉多位匠人与阿林乔伊·森(Arinjoy Sen)合作完成，阿林乔伊·森是一名年轻的、尚未获得资格的建筑师，他出生于加尔各答，现居伦敦。

主馆展览展出的三联画作品《孟加拉之歌》，描绘防洪房屋

各国国家馆虽然不是由莱斯利·洛科直接策划的，但也鼓励遵循双年展的主题。北欧国家馆由建筑师兼艺术家Joar Nango由木材和驯鹿的颜色组成，展示了一系列与萨米人（居住于北欧极地的土著民族）有关的物品。英国馆由杰登·阿里(Jayden Ali)、约瑟夫·亨利(Joseph Henry)、梅内莎·凯利(Meneesha Kellay)和苏米特拉·厄普哈姆(Sumitra Upham)策划，其中包括了一部电影的汇编，展示了英国少数族裔的生活和仪式。

英国馆展出的建筑师Madhav Kidao的装置作品

但在某些层面，双年展让人感觉到单薄且资源不足，这可能反映了这样一个事实——即过去往往有更多的大型实践项目，会带来额外的资金。如果你希望看到一场能量迸发的展览庆典，那么本届威尼斯建筑双年展恐不会如你以愿。但与过去的双年展类似，在建筑学界推崇的、让人费解的说明文字之下，展品依旧晦涩难懂。

拉脱维亚馆

今年与以往双年展也共有一种模糊而不确定的乐观情绪。拉脱维亚馆（实际上是军械库深处的一个展厅）模拟了一个便利店，展品采用包装的形式，上面写着二十年前双年展的虔诚而微小的意图——“需要改变我们对自然的看法，并认识到我们与自然是联系在一起的”“促进联系和理解的建筑案例”……这些话语让我们在世界面临各类危机的情况下，感受到艺术赋予的美好。

尼日利亚裔美国艺术家Olalekan Jeyifous为泛非可持续交通的未来，设计的假想休息室。

莱斯利·洛科带来的双年展试图展示了一个有着深刻过去的世界，直到最近才被现实世界所否认，那么世界有机会直接跳入未来吗 双年展中最令人眼花缭乱的空间，由受过建筑训练的尼日利亚裔美国艺术家Olalekan Jeyifous设计，他的设计为这种希望提供了现实的形式：这是“泛非”虚拟休息室，周围是郁郁葱葱的植被和未来主义机器的图像，它延伸出一个虚构的可持续交通网络，由非殖民化国家合作创建。这个虚拟构建或将成为威尼斯双年展和国际大展转向的一个出发点。

据悉，第18届威尼斯双年展将持续至2023年11月26日。

附：部分国家馆策展理念简介

中国国家馆

2023威尼斯建筑双年展中国国家馆

中国国家馆展览由中国文化和旅游部主办、中国对外文化集团有限公司承办，上海交通大学设计学院院长阮昕担任策展人。中国国家馆展览以“更新·共生”为主题，通过近四十年来变化中的人居环境映射，讲述一个生活、建筑、城市与自然更新共生的中国故事。展览采取“卷轴”柱廊的形式，通过在每根柱子中间挖一个空洞，形成一个相对独立的展示空间，展现了中国式的阅读过程。

2023威尼斯建筑双年展中国国家馆

展览分为室内和室外两个部分，室内共展出近50件作品，展陈分为“宜居·传奇·百变群像”“宜居·更新·上海故事”“共生·未来·自然复兴”三个章节。室外装置通过“数学模式”，引发院落与塔楼在土地利用的效率和宜居性上的差异之问。

英国馆

英国馆展览现场 （ Marco Zorzanello，威尼斯双年展提供)

英国馆以“在月亮前跳舞”为题，由一群创意人士参与策展，专注于六位艺术家和设计师的一系列装置，旨在促进“日常仪式(从种植食物、烹饪到游戏、舞蹈)是散居社区建立空间的工具，并呈现关于建筑和建筑环境的新思维方式。”参展艺术家包括Yussef Agbo-Ola、Mac Collins、Shawanda Corbett、Madhav Kidao和Sandra Poulson，他们通过自己的作品反思了影响空间的全球文化实践。“2023年威双建筑展英国馆是一个重新思考人们在塑造建筑环境中所扮演角色的空间。它表明建筑需要超越建筑和经济结构，关注日常社会实践、习俗和传统，以有意义地反映人们如何使用和占据空间，”英国馆的策展人之一杰登·阿里说。英国馆在2023年威尼斯建筑双年展上获得特别奖。

丹麦馆

丹麦馆（图片来源 R_Hjortshoj)

丹麦馆名为“海岸想象”，重点关注气候变化，特别是海平面上升。由Josephine Michau策划，与景观建筑公司 Schønherr 合作。Schønherr 提出“城市设计，要能够更好地与气候变化导致的海水和雨水水位上升共存。” 丹麦首都哥本哈根因其生活质量而广受赞誉，却也是世界上许多因沿海变化而受到威胁的地区之一。 丹麦馆旨在突出这一点，同时通过一个立体模型，讲述对城市景观基础设施进行改造以防止洪水泛滥。

韩国馆

韩国馆 ( Agne Raceviciute)

“2086年:如何在一起?”韩国馆提出了关于近50年来环境危机的影响的问题。该展览由艺术总监Soik Jung和Kyong Park策划，研究了韩国小型社区的案例。“每个社区都是一个案例研究，利用社区领导者对该地区的深入了解和建筑师的空间分析来评估其现状，并提出至2086年该地区的未来场景。”例如，在韩国群山市（Gunsan）的案例中，从业者探索了如何与废弃的房屋和建筑共存，使旧城的城市景观恢复到更自然的状态。此外，每个项目的动机都是如何应对几个世纪以来不平衡的资本主义发展思想所导致的城市和农村的差异。“因此，这些项目是关于如何将过去与未来联系，以及地方主义如何重塑全球。”Soik Jung说。

阿联酋馆

阿联酋馆 (( Marco Zorzanello)

在阿联酋馆的展览“干旱充裕”中，策展人Faysal Tabbarah探讨了干旱环境如何成为生产力和自然财富的丰富空间。Tabbarah是沙迦美国大学建筑、艺术与设计学院的副院长兼建筑学副教授，他着眼于世界各地特殊环境的建筑可能性:“我通过‘干旱丰富’探索的首要问题是:当我们将干旱景观重新想象为丰富的空间时，会出现哪些建筑可能性?”基于从阿联酋干旱景观的经验，阿联酋的展览深入探讨主题、教训和问题，给予世界其他面临干旱和荒漠化威胁的地方以启示。

爱沙尼亚馆

爱沙尼亚馆里的持续表演。（ Kertin Vasser)

爱沙尼亚馆的展览由Aet Ader、Arvi Anderson和Mari Möldre策划，将围绕建筑的讨论带回到家庭环境中。名为“家庭舞台”的活动在现实生活中的出租公寓内举行（地址在Salizada Streta 96）。 “爱沙尼亚馆以持续表演的形式存在，普通的家务和虚构的争吵与爆发（无论有无剧本）都在公众视线中发生 其中一位表演者Paula Veidenbauma对诸如关怀、侵占和孤独等隐形问题如何与房地产的巨大可见性形成对比产生了兴趣，尤其在威尼斯，这是由超级旅游业和中产阶级化推动的。”Möldre说。

巴西馆

巴西馆 ( Matteo de Mayda，威尼斯双年展提供)

巴西馆的联合策展人Gabriela de Matos和Paulo Tavares着眼于非殖民化、民族认同、侨民、土著知识体系以及巴西利亚和现代主义的概念，通过非洲侨民的载体与“未来实验室”的主题联系。 该展览名为“土地”（Terra），从过去出发，构建“可能的未来，重点关注土地在塑造我们对遗产和身份的理解中的作用”。 展馆展示巴西土著和非裔巴西人关于土地和领土的知识为特色，展出包括巴西电影制作人Juliana Vicente的视听作品，历史学家Ana Flávia Magalhães Pinto编写的档案照片，巴西民族历史地图等。

美国馆

美国馆，展览设计:Faysal Altunbozar, Chloe Munkenbeck ( Andrea Ferro Photography)

美国馆由Tizziana Baldenebro、Lauren Leving与位于克利夫兰的SPACES画廊一起策划了一个名为“永恒塑料”的展览。该团队汇集了艺术家和设计师，他们关注无处不在的塑料对我们的生活和地球的影响，同时探讨“重新构建我们水道，垃圾填埋场和街道上过剩的塑料碎屑作为丰富的资源”“艺术和建筑固有的审美和形式的物质性”等主题。“永恒塑料”通过重新考虑我们与物质世界关系为切入点，“随着气候危机成为现实，我们的日常用品必须成为变革的推动者。这次展览汇集一系列审视、拯救和颠覆全球灾难的实践。”Baldenebro说。

意大利馆

意大利馆 （ Marco Zorzanello )

意大利馆呈现了一场名为“每个人都属于其他人”的展览，展览由Fosbury Architecture策划，重点关注该国40岁以下的建筑师，他们“在面对长期危机的背景下成长和执业，因此他们将合作、分享和对话作为他们工作和活动的基础。”

卢森堡馆

卢森堡馆 ( Antoine Espinasseau)

卢森堡馆由Francelle Cane和Marija Marić策划的“脚踏实地”关注天体、行星和月球的潜力。 讨论了太空资源的开发、太空采矿和“月球实验室”的想法。 展览现场的实验室、研讨会和电影资料构成一种身临其境的体验。

巴拿马馆

水岸木材采伐公司在巴亚诺湖上工作。 ( Jasper Zehetgruber)

巴拿马共和国及其委任策展人Aimée Lam Tunon带来“巴拿马：水下故事”聚焦前巴拿马运河三个不同区域及对该地区现有的社区、文化和自然。“自古以来，热带就被广泛认为是异国风景、危险动物和繁茂植被的象征。被描绘成一个遥远的地方，有着不同的历史、语言和文化，这个地理区域代表了奇妙现实和神秘本质的融合。从西方视角看，热带地区通常被认为有着不利于发展的环境，是文明现代性的对立面。“巴拿马馆的展览通过连接其历史的影响，将巴拿马作为一个‘热带’国家未来愿景的案例研究，为这种现状提供反叙事。”Lam Tunon说。

日本馆

威尼斯双年展日本馆被策展人认为是一个“创造”和“使用”合二为一的地方。（ Yuma Harada)

日本馆的焦点在于1956年由建筑师吉阪隆正（1917—1980）设计的威尼斯双年展日本馆本身，展览名为“建筑，一个被爱的地方”。展览由建筑师团队策划，他们是o+h工作室的联合创始人Maki Onishi和Yuki Hyakuda。

截至2023年夏初，日本馆已经建成了67年。多年来，它接待了许多人，至今屹立不倒。策展人写道:“当建筑包含了铭刻的记忆和故事，当它体现了其背后的风景和在它周遭发生的活动时，一个被爱的地方就成为可能。”这展览架构具有更广泛的含义。出于这个原因，我们首先把建筑想象成一个‘活的生物’。”

希腊馆

希腊馆 （ Matteo de Mayda )

希腊馆对正在改变该国的水坝和水库进行了探索，展出了“水体”。联合策展人Costis Paniyiris和Andreas Nikolovgenis与一个由建筑师、设计师和学生组成的庞大团队合作，构建了一个深入挖掘水的保留、供应和使用的展览。“水体和所有相关结构，如水坝和土方工程，构成了罗马或维特鲁威意义上的公共建筑。 这是一个集体的公共工程，从字面上看，是维持基本生存的手段，在象征意义上，是集体劳动和共同进步的升华。”该策展团队写道。

注：本文编译自《卫报》、《Wallpaper》，中国国家馆部分据“中展”“上海交通大学”等整理。

火火火！C罗连续9轮意甲取得进球，追平队史纪录

意甲第22轮比赛，尤文主场迎战佛罗伦萨，C罗在本场比赛取得进球，连续9轮意甲取得进球。C罗打入个人联赛第18粒进球！同时连续9轮意甲联赛破门追平了尤文名宿特雷泽盖的连场进球纪录！

比赛第40分钟，皮亚尼奇远射击中禁区内的佩塞利亚手臂上，裁判看VAR后示意点球！C罗主罚命中！

C罗点射瞬间

手球瞬间

本赛季截止目前，C罗代表尤文出场27场打进21球助攻3次，其中意甲19场18球2助攻、欧冠6场2球1助攻、意大利超级杯1场以及意大利杯1场1球。

C罗意甲连续破门场次如下↓：

（落风）

9球1助！C罗连续6场意甲破门刷新个人纪录

意甲第19轮，尤文客场对阵罗马，C罗第10分钟打入一粒点球。C罗连续6场意甲破门，刷新了个人纪录。

近6场意甲，C罗贡献9球1助，其中包括一次帽子戏法。本赛季意甲，C罗已经打进14球，追平卢卡库并列第二，因莫比莱20球居首。

C罗去年12月至今联赛进9球，是五大联赛球员中，同期联赛进球最多者。

（laughing）

评展｜威尼斯双年展大力度的主题展，令人失望的国家馆

经过一年的延期后，第59届威尼斯双年展于4月23日开幕。

展览由策展人，塞西莉亚·阿莱马尼（Cecilia Alemani）策展，以出生于英国的墨西哥超现实主义艺术家利奥诺拉·卡林顿的短篇故事《梦想之乳》（The Milk of Dreams）为题，探讨后人类、变形、生态等议题。同时，本届双年展也是女性艺术家参展人数之最，超过80%的参展艺术家为女性。

在《纽约时报》评论家杰森·法拉戈（Jason Farago）看来，本届威尼斯双年展是一场不平衡的盛会。他认为，主题展的力度很大，通过策展人的谋划，展现出的是一场超现实主义复兴。而相比之下，国家馆的作品呈现却是近20年来最糟糕的一次。

现在，威尼斯有点迷失在时间的迷雾中。在2020年3月，新冠病毒出现在了这片宁静水域中。一些造谣者发布了关于海豚出现在圣马可湾（Bacino di San Marco）的照片，也有发布了天鹅在未受污染的蓝色大运河上畅游的照片。人类消失了，威尼斯成了自然的天堂！这座被亨利·詹姆斯(Henry James)称为“慰藉之库”的城市，已经被压缩到可以共享的大小：一个可以在触摸屏上看到的水生乌托邦，而病毒则以镰刀状的方式向我们袭来。

工作人员在威尼斯双年展主要展示地附近布置标识。

海豚照片是个骗局。但是，从2022年威尼斯双年展拥挤、混乱、令人困惑的预展来看，人类是生命与美的敌人的这一感觉可能是正确的。世界上最古老、最负盛名的国际当代艺术展览在推迟一年后，于周六（4月23日）向公众开放。新冠疫情没有减少这场双年展的规模，也没有削弱参观者的狂妄自大。是的，四月中旬，威尼斯的人群少了一点，豪华游艇的数量有所下降。尽管如此，这仍然是威尼斯，而双年展仍然是艺术中最易燃的混合物，它融合了创意思维、惊人的财富和走向未来的全球文化。

威尼斯双年展主题展展馆

首先简要介绍一下：威尼斯双年展是一场由两部分组成的展览。今年是第59届，而第一届威尼斯双年展于1895年举办，为当代艺术提供了温度。参展国家通常有各自的展馆，比如，今年的美国馆就邀请了当红的雕塑家、陶艺家西蒙尼·利（Simone Leigh）。最重要的是，威尼斯的艺术场馆都在双年展期间举办各自的大展，而交易商、基金会和投机者则会租用河边的宫殿，举办的展览有博物馆质量的，也有可以直接购买的各种临时展览。

今年的主题展由住在纽约的意大利人塞西莉亚·阿莱马尼（Cecilia Alemani）策划。这项主题展览经过精心设计，此前也经常取得成功。此次展览中大多数参展者是女性，而超现实主义，机器人和动物、植物是展览的关键词。来自纽约的艺术家艾米·西尔曼（Amy Sillman）和杰奎琳·汉弗莱斯（Jacqueline Humphries）呈现的是新的绘画作品；于去年过世的洛杉矶艺术家卡里·阿普森（Kaari Upson）的遗作也在此次展厅里展示；而展厅里的许多在20世界被忽视的作品，皆为意大利的女性艺术家创作。对于塞西莉亚策划的展览，我将写更详细的评论，但现在我会说：她的女权主义，超现实主义和生态主义组成了一场条理清晰、富有挑战的展览，她通过想象获得解脱的乐观愿景在今天是非常罕见的。

《砖房》（Brick House, 2019），西蒙尼·利（Simone Leigh）

与之形成对比的是，此次威尼斯双年展国家馆的展示是我在这20年参观过程中感觉最糟的。半温不火的概念主义简直是一场噩梦：有乏味的雕塑，有关于政治点评的作品，也有关于性别和互联网等主题。其中，艺术机构分析师玛丽亚·艾希霍恩（Maria Eichhorn），以及日本表演艺术、技术团体“Dumb Type”等，都交出了他们艺术生涯里最无趣的作品。

与上届双年展相比，像立陶宛馆中巨大的气候歌剧《太阳与大海(玛丽娜)Sun & Sea (Marina)》那样突破性作品在本届展馆内已经不复存在了。令人意外的是年轻艺术家一个接一个地出现。在塞尔维亚馆和意大利馆内，我们看到了远处天空与大海的交汇，这是一个屏保程序，唤起人们对移民和失落的回忆。如果你不是“批评”或“审讯”某些预先存在的材料，你将被丹麦艺术家乌夫·伊索洛托（Uffe Isolotto）的有趣房屋所吸引，其大量雕塑是用刺鼻的干草为媒材的；又或者，你会喜欢奥地利艺术家雅各布·莉娜·克内布尔（jakob lena knebl）和安吉拉·汉斯·谢尔（Ashley Hans Scheirl）的作品，他们的软雕塑有一个无比正确的配色方案。威尼斯是一个500多年来一直未能与过去相匹配的城市。今年，这些作品也令人备受打击。

波兰馆内，罗马艺术家 Małgorzata Mirga-Tas 创作了一幅由 12 部分组成的挂毯.

参观者在奥地利馆观看艺术家 Jakob Lena Knebl 和 Ashley Hans Scheirl 的作品。

只有两个国家馆的艺术家完全撑起了这一场合。一个是艺术家玛格丽特·米加·塔斯（MałgorzataMirga-Tas），她是代表波兰馆的罗马艺术家，用12部分的挂毯装饰了波兰馆。她用缝线细布、织物、蕾丝和粗麻布碎片串联起吉普賽人的迁徙以及他们的日常生活。她的作品气势磅礴，堪比城市壁画，热情描绘了弓箭手、吉他手、积极分子和抬棺人等。但最终，这些“壁画”被推到了欧洲历史的边缘。

道格拉斯与艺术家 Lady Sanity为加拿大馆创作的视频装置作品

道格拉斯与开罗音乐家 Raptor.Credit合作的视频装置“ISDN”.pic

另一位是斯坦·道格拉斯（Stan Douglas），他是温哥华杰出的影像艺术家。他深入研究了2011年的多场革命，其作品《阿拉伯之春》《伦敦骚乱》《占领华尔街》则分别在加拿大馆和一个旧盐库馆之间穿插播放。其中，他对“占领”系列和《阿拉伯之春》进行了精心编辑，做成了双屏视频，取名《ISDN》。这也揭示了道格拉斯通过对过去的虚构干预，重建当下的敏锐能力。

在这里，我们看到了两位来自伦敦的艺术家和两位具有埃及风格的开罗说唱歌手，他们进行了一场惊心动魄的跨国呼唤与回应。 但这不仅仅是一部音乐影片。道格拉斯分别录制了歌词和每分钟 140 拍的贝司线，用一种算法切割英国声音和埃及声音，并缝合成一种新的表现形式。他呈现的是一个通过音乐和光纤电缆所构成的想象社区。

在另外一些国家馆参展作品中，西蒙尼·利所在的美国馆以其雄心壮志、生产价值和高尚品格脱颖而出。她的陶瓷和青铜新作融合了非洲巴加面具、埃及葬礼雕像图案以及贾科梅蒂、恩斯特的现代主义风格。这些作品重新定义了非洲及大洋洲的雕塑风格。此外，利的《砖房（Brick House）》是一座16英尺高的半身像雕塑，之前曾在纽约高线公园展出，现在这一作品来到了威尼斯的主题展中。在美国馆外侧，利在这个新帕拉第奥式展馆外搭建了临时的茅草屋顶，以此呼应上世纪世博会的殖民地展馆。

自艺术家汉斯·哈克(Hans Haacke)于1993年对德国馆进行破坏以来，改造或模糊展馆的建筑成为一种控诉历史的可靠方式。但是，展馆里的艺术作品仍需要发挥各自的作品。利的陶瓷作品仍然是最为成功的。例如，她的作品《壶（Jug）》是一个超大号的，有美国南部人物形象的水壶，表面则嵌入了放大的贝壳。壶身实际上代表着一条拉菲草裙，用超现实主义达到对非洲及加勒比来世文化的挪用。

美国馆展览现场，西蒙娜·利 (Simone Leigh) 的粗陶作品“Jug”。

而利的青铜作品更具粘性。她的作品越是具有比喻性，就越是显得陈腐，其作品《最后一件衣服（Last Garment）》坦率地描绘了一位在水池中的牙买加洗衣妇，在磅礴气势的衬托下却是一无所获。相比这一描绘历史的作品，塔斯的罗马挂毯和道格拉斯那横贯大陆的音乐在这里间歇性地释放活力。此外，展厅里还有一部黑白影片，描绘的是利用其雕塑创造的篝火场景。需要说的是，艺术家应该信任她最初的媒介。

所以，欢迎来到记忆中最不平衡的，最令人沮丧的威尼斯双年展。现在，威尼斯双年展在疫情中聚集，在欧洲（俄乌）战争背景下开放。 历届双年展也从未像现在这样表明：与主题展相比，国家馆只是双年展的次要环节，而一个国家一个馆的艺术博览会形式已经过了几十年的保质期了。

英国馆展览现场

日本馆展览现场

造成这一结果的是新冠吗 我想知道的是，这几年的封闭，以及我们被数字屏幕禁锢的生活，是否抹去了我们对艺术的最后承诺。艺术不仅仅是一种传播媒介。威尼斯是一座为全世界定义流行病的城市：“检疫隔离（quarantine）”一词源自威尼斯人。“quarantine”的拉丁语是“四十天”。四十天是当时威尼斯人为了消除鼠疫而将来港船只隔离的时间；1576年，提香因瘟疫死于威尼斯；托马斯·曼的《威尼斯之死》则将霍乱爆发变成了社会衰败的象征。现在我们有口罩，这在参观展览期间是强制性的。威尼斯人给予我们的一个很好的教训是，瘟疫最终会结束。而从他们身上最重能产生什么样的艺术 这是另一个问题。

（本文编译自《纽约时报》，作者杰森·法拉戈（Jason Farago）系评论家）

附：威尼斯双年展现场直击

刘佳玉 《虚极静笃》 人工智能、3D打印，3D投影、实时渲染，尺寸可变 威尼斯双年展中国馆参展作品

无论从何种层面的意义来看，今年的威尼斯双年展能够成功举办，都实属不易。

每次都会去到威尼斯双年展的策展人李振华，带着更加兴奋的心情参加了本届双年展。在他看来：“今年威尼斯双年展整体处于一种动态的关系之下。无论是疫情与战争的双重威胁，还是从俄罗斯、乌克兰的双双退出，到重新参展。都表明了如今世界所处的动荡不安的状态。”

正是在这种动荡不安之中，由张子康担任策展人，孙冬冬担任助理策展人的中国馆“元境”主题展，用中国文化的方式回应了今天的时代——这是一种来自于遥远文明的，对于世界更加开放包容接纳的姿态，从中流淌出的是一种缓缓的“古意”。

“虽然此次展览整个空间搭建看起来非常简洁，但背后我们做了非常复杂的工作。预展两日以来，现场拍照的人非常多，能够感受到展览对观众的吸引力。”此次威尼斯双年展中国馆助理策展人孙冬冬分享了他的现场感受。孙冬冬表示，受疫情影响，中国馆在布展方面比原计划增加了许多的困难。比如王郁洋的户外作品《雪人》，其钢架结构的材料原计划是在国内制作再运至意大利，但最终只能在意大利制作钢架，也因此带来了许多制作上的麻烦，但这件作品成为了今年中国馆的亮点作品之一。

王郁洋 《雪人》 265×190×285cm 黄铜、紫铜、混凝土、不锈钢 2021年 威尼斯双年展中国馆参展作品

张子康在接受采访时表示，“元境”提倡的是一种万籁共生的宇宙生命意识，是富有中国文化思想、智慧以及生命力的和合境界，在此，“造境”的目的不是为了建立新的区隔，恰恰相反，它的目的正是要超越现实的藩篱界限，重新建立一种普世性的反观自我的方式，由此探讨建构人类共同未来的可能性。虽然数字化作品占据多数，但是其最终呈现仍然需要大量考量和实践。“因为最终虚拟的数字需要实体来呈现。而军械库展区的建筑都是文物，受到保护，所以我们需要自己来进行搭建，重构空间。而且，根据以往在威尼斯的展览经验来说，所有的搭建材料，最好都是自己准备，因为当地的情况比较复杂，一是成本高，二是可能当地的材料和效率无法满足我们的要求，还要考虑搭建的安全性以及当地的一些突发情况等等，所以整个展览的投入成本是较大的。”张子康介绍道。

徐累 《Correspondances/兴会》 266×350×48.5cm 亚克力、金属材料、 电动轨道 2022年 威尼斯双年展中国馆参展作品

包括芭芭拉·克鲁格 (Barbara Kruger)、塞西莉亚·维库纳 (Cecilia Vicuña)和葆拉·雷戈 (Paula Rego)在内的本届威尼斯双年展的名单，仍以在欧美拥有知名度的艺术家为主，所不同的是，女性艺术家的出现更为显眼，“我的展览将是一个跨代际的展览，会包罗年轻的艺术家、著名的艺术家、被遗忘的艺术家，甚至是死去的艺术家。我试图通过不同的世代来探讨这个主题，因为我总是对将大师和年轻艺术家放在一起会产生怎样的效果很感兴趣。我也希望给观众提供能建立各种关联的视角。”阿莱马尼曾表示，这届双年展不专注于特定的某代人。

艺术家郑波居住在大屿山，他与植物合作创作生态艺术已有数

陆扬作品《独生独死 Hello World》影像截图，以艺术家本人为原型，2020

来自武夷山的艺术家李爽，现居柏林与日内瓦

“展览植根于后人类思想，”阿莱马尼说,“许多当代艺术家正在想象一种后人类状态，挑战假定的西方状态以及白人衡量事物的标准。他们带来了不同的联盟和奇妙的身体。这就是为什么展览包括大量女性和性别不确定的艺术家。”在接受ARTnews采访时, 阿莱马尼称她的双年展是“一场跨历史的展览，创造了现在和过去之间的对话，创造了被排斥的故事之间的对话。”

（现场部分根据“艺术新闻”“雅昌艺术网”“ArtAlpha艺术阿尔法”